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— Instantànies. Accesos indirectos a la cultura contemporánea

11, 12 y 13 de julio

Instantànies. Accesos indirectos a la cultura contemporánea es un curso de verano abierto e interdisciplinar realizado en colaboración con la Universitat Jaume I de Castellón. La presente edición aglutina a diez personas que a través de su trabajo, ideas e investigaciones nos permiten reflexionar sobre diferentes ámbitos de la cotidianeidad.

También se han buscado ciertos vínculos geográficos entre los participantes con el fin de partir de realidades locales que nos permitan entender mejor hasta qué punto lo global y lo local configuran un todo del que resulta imposible desprenderse.
Por último Instantànies tiene la intención de seguir siendo, en la medida de nuestras posibilidades, una plataforma de debate que nos ayude a plantearnos nuestro papel como ciudadanos pero también a analizar aquellos modelos tanto sociales, políticos, económicos o culturales que conforman nuestras sociedades contemporáneas.

INSCRIPCIÓN
Dirigido a: estudiantes, profesores y personas interesadas en general
Número máximo de asistentes: 50
Duración: 20 h
Créditos reconocidos por la UJI: 1

Precios 
· 50 euros para alumnado (se debe adjuntar el carné de estudiante)
· 70 euros para profesorado y SAUJI
· 80 euros para el público en general

Formalización de la matrícula
La matriculación se puede hacer únicamente por Internet, en la página: http://inscripcio.uji.es

 

Miércoles 11 de julio / 9.30 h
Recepción y entrega de material

Miércoles 11 de julio / 10.00 h
Inauguración

 

CONFERENCIAS

Miércoles 11 de julio / 10.30 h
Conferencia en castellano
A cargo de Simona Levi

¿PARA QUÉ SIRVEN LOS ARTISTAS?. ARTE Y PARTE EN LA ERA DIGITAL
Contexto: crisis económica sin precedentes. Dos de los grandes «fenómenos» de saqueo y privatización desbocados sobre los que se ha fundado esta «crisis» ven a los artistas, de forma más o menos voluntaria, como principales agentes.
1. En un primer lugar, dejar degradar las zonas céntricas de las ciudades. Luego se aprovecha o fuerza la llegada de artistas que recuperan al entorno revalorizándolo sin necesidad de inversión social. Este efecto «bohemio» alienta la compra por parte de capital privado y la consecuente especulación que permite la expulsión de los habitantes naturales de los barrios a través de una subida insostenible de los precios. La famosa burbuja inmobiliaria.
2. El segundo «fenómeno» surge directamente en nombre de los artistas. En un intento de sobrevivir, el sistema ya obsoleto está desarrollando el mayor esfuerzo de privatización del conocimiento jamás intentado desde la invención de la prensa. Somos testigos a diario de fanáticos ataques a los derechos civiles y de acceso al conocimiento en nombre de los artistas y del incongruente concepto de «propiedad intelectual».
Observando ambos «fenómenos» surge una pregunta: Los artistas ¿se dan por aludidos?

Miércoles 11 de julio / 12.00 h
Conferencia en castellano
A cargo de Carles Feixa

LA JUVENTUD EN IMÁGENES: PRESENTACIONES Y REPRESENTACIONES
Las culturas juveniles espectaculares convierten el hecho de estar bajo vigilancia en el placer de ser vistos. (Hebdige 1988: 8)
En el espacio público, los jóvenes ven y son vistos, pueden ser tratados (por la sociedad y sus agencias de supervisión) y re-tratados (por una cámara fotográfica). El resultado es una forma de performatividad, mediante la cual la juventud se (auto)presenta y al mismo tiempo es (re)presentada (lo que puede causar indiferencia o interés, atracción o pánico). En su obra Hiding in the light (1988), Dick Hebdige reflexiona sobre las formas de representación de las culturas juveniles a través de la fotografía como un proceso que oscila entre la vigilancia (surveillance) y la exhibición (display). La primera forma de representación se remonta al «descubrimiento» de la delincuencia juvenil y al interés de las instituciones del orden para controlar, retratar y vigilar a los jóvenes «desviantes». La segunda remonta a la emergencia del mercado adolescente y al interés de las industrias del ocio en el joven como objeto de consumo. La ponencia propone un viaje por las formas de representación visual de la juventud en la historia, acabando con una reflexión sobre las culturas juveniles contemporáneas.

Miércoles 11 de julio / 16.00 h
Conferencia en castellano
A cargo de Manuel Ramírez Giménez

VÍNCULOS DE AMISTAD
La edición como arte de mediación entre el mundo de la creación y el de los lectores. Treinta y cinco años de experiencia ininterrumpida como editor permiten dar una visión panorámica en la evolución del arte de editar. Tanto del desarrollo de las técnicas de publicación y su influencia en el de la misma tarea de editar, como la relación del editor con las evoluciones del mercado y de los medios de comunicación o con una sociedad que apuesta, por lo general, antes por la cantidad que por la calidad o por lo masivo y gregario antes que por lo singular. También la más personal del compromiso del editor consigo mismo y con la edición como forma de vida y el establecimiento de vínculos de amistad entre él con la lectura y la literatura, así como con sus autores y lectores y de aquéllos con éstos.
El libro literario y de pensamiento como pretexto para el goce y el ejercicio en la adquisición de conocimientos y el desarrollo de la sensibilidad. La literatura y la lectura como refugio que deviene compañía. Y la edición como pedagogía o arte de la seducción.

Miércoles 11 de julio / 17.30 h
Conferencia en castellano
A cargo de Cristóbal Pera

LA CULTURA DE LA SALUD ES LA CULTURA DEL CUERPO
El cuerpo humano es, en mayor o menor medida, un espacio vulnerable, progresivamente deteriorable como espacio biológico y, por esencia, caduco. No obstante, mediante un estilo de vida saludable, es posible reducir su vulnerabilidad, hacer más lento y menos profundo su ineludible deterioro biológico y, como consecuencia de estos cuidados, añadir más años a su vida, desde su asumida caducidad. Todo ello siempre que el prolongado periodo de envejecimiento valga la pena de ser vivido, ya que es de buen sentido reconocer que el objetivo no es «añadir años a la vida, sino vida a los años».
La predominante cultura de la enfermedad, (a veces, incluso, más interesada en la continua «modificación del cuerpo», sometida a la exigente presión del mercado), ha propiciado el desarrollo de una medicina mediática y mercantilizada. Por el contrario, el objetivo de la cultura de la salud, entendida como la búsqueda y el mantenimiento de un estilo de vida saludable, no es simplemente sobrevivir como sea, sino conseguir que los años que vayan a ser vividos lo sean con la mayor calidad de vida posible, tanto física, como mental y socialmente.
Al fin y al cabo, la cultura de la salud es la cultura del cuidado del cuerpo, construida sobre el conocimiento teórico y la experiencia personal de la realidad biológica del espacio corporal, de su uso apropiado, de las consecuencias negativas derivadas de su largo y continuado uso y de sus abusos, de un cuerpo asiento de su condición humana, basada en el lenguaje, el pensamiento y la consciencia personal.

Jueves 12 de julio / 10.30 h
Conferencia en catalán
A cargo de Salvador Cardús

¿LA IDENTIDAD ES UNA PIEL?
Para poder comprender adecuadamente los nuevos desafíos identitarios de las sociedades plurales y diversas no hay suficiente con constatar los cambios que en ellas se producen, sino que hay que cambiar los modelos de análisis. Una concepción fuerte, esencialista podríamos decir, de identidad —de género, nacional, religiosa...— quizá era adecuada en otras épocas, pero es absolutamente inadecuada para las sociedades actuales. Es en este sentido en el que defiendo una propuesta alternativa que nos aleja de la «histeria identitaria» (tal como la ha definido Éric Dupin), y que consiste en poner el acento no en los contenidos diferenciales de las supuestas identidades, sino en las redes de relaciones en que se sustentan. En este sentido digo que las identidades no son unos «contenidos», sino unos «contenedores». O, aún mejor, una piel.

Jueves 12 de julio / 12.00 h
Conferencia en catalán
A cargo de Marina Subirats

VIOLENCIA MASCULINA Y TALENTO FEMENINO EN EL MUNDO ACTUAL
En esta intervención Marina Subirats planteará la que me parece una de las cuestiones fundamentales de las sociedades actuales: el exceso de violencia, consecuencia de una educación de género masculino que aún enfatiza el enfrentamiento y la competitividad como valores capitales para los hombres y para la sociedad, y la necesidad de ir reduciendo esta violencia a partir de una intervención de las mujeres más decidida y más fuerte que en la actualidad. Varios aspectos serán abordados en relación con este tema:

— ¿Son los hombres más violentos por naturaleza que las mujeres? ¿Pueden cambiar?
— ¿Es la violencia todavía necesaria, siguiendo el esquema darviniano de lucha por la vida, en nuestras sociedades?
— ¿Son portadoras las mujeres de otra clase de valores? ¿Son útiles tales valores en las sociedades actuales?

Sobre la base de estas preguntas iremos viendo las relaciones entre hombres y mujeres, y cuáles son las vías que habría que emplear en la actualidad para reequilibrar una sociedad que se está mostrando excesivamente destructora y que crea un conjunto de peligros incluso para la supervivencia humana misma.

Jueves 12 de julio / 16.00 h
Conferencia en castellano
A cargo de Amador Fernández Savater

LA CRISIS DE LA CULTURA DE LA TRANSICIÓN Y LA REBELIÓN DE LOS PÚBLICOS
Septiembre, 1987. El Real Madrid se enfrenta al Nápoles de Maradona con el Bernabéu cerrado al público por sanción disciplinaria. El partido se retransmite íntegramente por televisión. El filósofo francés Baudrillard encontró en este acontecimiento la metáfora exacta de nuestra organización social: «los asuntos de la propia política deben desarrollarse en cierto modo ante un estadio vacío (la forma vacía de la representación) del que ha sido expulsado cualquier público real en tanto que susceptible de pasiones demasiado vivas y de donde sólo emana una retranscripción televisiva (las pantallas, las curvas, los sondeos)».
La cultura consensual (o «Cultura de la Transición»), que gobernó sin réplica en España durante los años 80 y 90, es efectivamente un sistema de información centralizado y unidireccional, donde los expertos y los intelectuales mediáticos tienen el monopolio de la palabra, las audiencias están sometidas y existen temas intocables.
España, 2004. Lo que ocurre tras el atentado terrorista del 11-M (de)muestra que el público tiene autonomía con respecto a la cultura consensual. Las audiencias se rebelan, se convierten ellas mismas en medio de comunicación. El «estadio vacío» de la representación entra en crisis. Ahora el público abuchea, pita, boicotea, silba o simplemente se muestra indiferente a la seducción.
La crisis de la representación atraviesa hoy todos los órdenes: cultural, político, mediático, intelectual, educativo, etc. Por todos lados surgen nuevos «colectivos de enunciación»: voces inesperadas. Y «enunciados imposibles»: miradas imprevistas y subversivas sobre el mundo. Son voces «fuera de lugar» que rebosan por fuera de los límites de las instituciones tradicionales (partido, media, sindicato, museo, universidad), democratizando la producción de sentido.
El 15-M ha hecho definitivamente visible para todo el mundo esta crisis, esta apertura y este nuevo poder social.

Jueves 12 de julio / 17.30 h
Conferencia en catalán
A cargo de Isa Campo Vilar

TIEMPOS DE LA ESCRITURA DE UN GUIÓN
Cuando se habla de guión cinematográfico, se acostumbra a pensar en aquel texto escrito que el director hará suyo y rodará. Así concebido, el trabajo del guionista acaba antes del rodaje e incluso de la preproducción, que es el momento donde se producen las primeras divergencias entre la realidad y el deseo.
A mí me gusta trabajar de forma que el guión no se escriba solo sobre el papel y que continúe durante todas las fases del film: casting, rodaje, montaje, corrección de color, banda sonora y mezclas de sonido. Salir a localizar con el director permite repensar las secuencias en base a los espacios elegidos, y siempre es más rico adaptar las frases escritas a los actores que encarnarán los personajes.
Y tampoco podemos dar por cerrado el guión después del rodaje, porque llega el montaje, momento en el que con todas las cartas sobre la mesa se ha de ver en qué se puede convertir lo que se ha rodado. Y raramente hay una sola opción, o una sola opción buena. Pero es que en cada fase la película es susceptible de convertirse en algo diferente: el mero hecho de desplazar la música unos segundos, antes o después de una mirada, alterará la emoción y la comprensión de la secuencia.

Jueves 12 de julio / 19.00 h
Proyección de la película La noche que no acaba, de Isaki Lacuesta

Viernes 13 de julio / 10.30 h
Conferencia en castellano
A cargo de Ana Romero Sire

ARTE EN PAPEL Y LIMINALIDAD
Podemos visualizar este umbral de la liminalidad como un espacio cultural que ya poco tiene que ver con los límites. Ocupa un espacio de arte aparte, suficiente como para desarrollar su propio registro. La emergencia del arte en papel alrededor del mundo y de los artistas que utilizan el papel como medio de expresión artística ilustran la posibilidad de esa nueva práctica liminal en el umbral que desafía los límites del arte conocido.
No es un arte principalmente para galerías y museos, ni es un arte que haya surgido necesariamente de lo que se aprende en las escuelas de arte, ni depende completamente de los circuitos de producción cultural de las industrias culturales profesionalizadas. Pero sí es un arte que existe con su propio espacio en la sombra, al margen del espacio del arte contemporáneo. Es un arte que surge entre individuos que a menudo se consideran ajenos al sistema del arte (como Institución). Y que, como tales, prescinden del discurso del miedo —del pánico, yo diría— en que la institución artística contemporánea ha caído ante el público y con el propio arte por su falta de conexión consigo misma. Nombres emergentes como Peter Callesen, Bovey Lee, Jen Starck, Aoyama Hina, Violise Lunn o Cybele Young ilustran esta sorprendente explosión.
La emergencia en la última década de un arte liminal en papel nos permitirá observar distintos procesos que están latentes como corrientes subterráneas de la cultura contemporánea y que cuestionan la naturaleza normativa del arte actual «normal». El auge del DIY y el crafting contemporáneo o la democratización del arte a través de sus medios por analogía con el mismo desarrollo en la red y en otras artes como la música son el contexto en el que se enmarcan las actuales condiciones de producción cultural de estos artistas. A lo largo de la presentación se examinará cómo se construye esta práctica artística liminal y de qué modo difiere de otros espacios de creación contemporánea más conocidos.

Viernes 13 de julio / 12.00 h
Conferencia en castellano
A cargo de Marta Sanz Pastor

POR QUÉ NO ELEGÍ ESCRIBIR NOVELA NEGRA: EL ESCRITOR FRENTE AL CAMPO CULTURAL
Los escritores —y, por supuesto, las escritoras— son menos libres de lo que creen. Sus opciones están condicionadas, en mayor o menor medida, por las coordenadas de un campo cultural, de un discurso hegemónico y de una ideología invisible frente a los que se puede ser más o menos contestatario o asertivo. La elección de un género, una temática, un estilo o un tono, incluso la misma decisión de escribir literatura, se relacionan con la experiencia vital, pero también con las exigencias de una intención comunicativa, hecha texto literario, que no se desvincula del contexto en que se produce. Frente a las enseñanzas románticas sobre el carácter casi religioso de la escritura, en el oficio del escritor resulta difícil separar lo íntimo de lo público y lo individual de lo colectivo.
Esta es la perspectiva teórica que sirve como punto de partida para tratar de aportar una interpretación personal de conceptos como literatura, literatura política, subversión o lenguaje artístico. Y, sobre todo, es la base para esbozar una explicación sobre por qué escribí dos novelas que son negras y, al mismo tiempo, no lo son en absoluto: Black, black, black y Un buen detective no se casa jamás.